lunes, 14 de diciembre de 2015

Reseña: El principito

Título original: Le petit prince
Año: 2015
Duración: 106 minutos
País: Francia
Director: Mark Osbourne 
Sinopsis: Para que todo salga bien en la prestigiosa Academia Werth, la pequeña y su madre se mudan a una casa nueva. La pequeña es muy seria y madura para su edad y planea estudiar durante las vacaciones siguiendo un estricto programa organizado por su madre; pero sus planes son perturbados por un vecino excéntrico y generoso. Él le enseña un mundo extraordinario en donde todo es posible. Un mundo en el que el Aviador se topó alguna vez con el misterioso Principito. Entonces comienza la aventura de la pequeña en el universo del Principito. Y así descubre nuevamente su infancia y comprenderá que sólo se ve bien con el corazón. Lo esencial es invisible a los ojos. Adaptación de la novela homónima de Antoine de Saint-Exupery. Contará con las voces (en versión original) de James Franco, Rachel McAdams, Marion Cotillard, Jeff Bridges, Benicio Del Toro, Mackenzie Foy y Paul Giamatti. 

"Crecer no es el problema, olvidar lo es"


El Principito es una pequeña (literal) obra literaria que a todos nos hacen leer en la primaria por razones educativas; pero definitivamente muchas veces no logramos entender lo que tenemos frente a nuestro ojos. Esto, en síntesis es lo que esta adaptación animada del libro de Antoine Saint-Exupery quiere enseñarnos; el principito es verdaderamente una historia para adultos llena de significados y cuestiones eje en nuestras vidas que pueden ser respondidas por la inocencia y vivacidad de un niño que empezó su travesía al decidir salir de su pequeño mundo. 

Como tal debido a que el cuento es bastante corto; la película fue adaptada creando a un personaje que nos pareciera más cercano a nuestra realidad; dicho personaje es pues representado por una niña en la que curiosamente logramos identificarnos (o en su defecto a identificar alguien cercano a nosotros) sin siquiera conocer su nombre (ya que en ningún momento se nos revela). 

Debido al alto contenido filosófico de las escenas, el toque de antigüedad que el stopmotion  puede brindar quedó maravilloso; además la paleta de colores utilizada en las escenas en las que la niña y el aviador pasan tiempo juntos y se muestra otro capítulo más de la historia paralela del principito dan a entender justo lo que se pretende desde un principio. L fantasía y la imaginación son algo lleno de color y estas dos son características que presentan todos los niños; esta imagen se contrapone a la paleta en escalas de grises que se utiliza cuando la niña tiene que realizar actividades impuestas por su madre quien está sumamente consternada por un mejor futuro para su hija, olvidando completamente que está en la etapa más bonita de la vida. 

El principito tiene muchísimas lecciones y verla solamente una vez no basta para poder captar todas ellas. La premisa principal que plantea la película es la de nunca olvidar que fuiste niño y que crecer o más bien "madurar" no implica dejar de poner a trabajar la animación o convertirse en un aburrido empedernido. 

Puntuación: 10


Reseña: Crimson Peak


Título orginal: Crimson Peak (La cumbre escarlata)
Año: 2015 
Duración: 119 minutos
País: Estados Unidos 
Dirección: Guillermo Del Toro 
Reparto: Mia Wasikowska, Jessica Chastain, Tom Hiddleston, Charlie Hunnam.
Género: Terror / Thriller / Romance / Fantasía
Sinopsis: Como consecuencia de una tragedia familiar, una escritora es incapaz de elegir entre el amor de su amigo de la infancia y la tentación que representa un misterioso desconocido. En un intento por escapar de los fantasmas del pasado, se encuentra de pronto en una casa que respira, sangra… y recuerda. 

Crimson Peak es una película que por todos lados te dice que es de Guillermo Del Toro; el trabajo de arte es magnifico, así como el vestuario y el arte manual para la creación de los fantasmas (si, manual). 

Desde que inicia Crimson Peak se nos deja en claro que no se trata de una película de terror o de fantasmas sino más bien de una película en la que los fantasmas formar parte de la trama y que sin embargo, no equiparan toda la historia. Verdaderamente es un romance del siglo XIX en el que simplemente el galán (Sir Thomas Sharpe) que todos esperaban fuera tan perfecto guarda ciertos secretos que terminan por ser descubiertos por Edith Cushing, la mujer de la que finalmente se enamora y que por cosas del destino resulta que tenía la habilidad de ver estos espíritus y que probablemente estaba destinada a llegar a Crimson Peak. 

Si, Crimson Peak es un romance pero no es el típico romance empalagador que presentan las nuevas producciones ni aquel en el que todo resulta perfecto sino más bien uno intrigante y desconcertante que termina por resolver primero aquel que estaba pretendiendo mucho antes a Edith, el Dr. McMichael. A pesar de que mientras transcurre la historia probablemente el espectador ya allá concluido cuál era el final (no es algo nuevo) vale la pena verlo por las escenas un tanto gore y la belleza de las tomas en la nieve. 

Puntuación: 8

¿Qué es lo que hace a una película de culto?


Muchas son las películas que cada año se añaden a esa larga lista exclusiva a la que se le denomina "películas de culto"; pero...¿cuáles son los recursos o puntos que se deben cumplir para que una película pueda ser denominada como tal?
  1. Probablemente tiene que tener una mala venta en taquillas (aunque no siempre es así): La mayoría de las películas consideradas como películas de culto son producciones independientes que en su momento de estreno fueron recibidas con una respuesta muy ecuánime por lo que las ganancias no son las suficientes para poder llevarlas a grandes empresas por lo que casi siempre se quedan en festivales indie. 
  2. Tienen que impactar a un grupo de personas; es decir, tiene que ser significativa para un tipo de público quienes por lo tanto serán los que conviertan dicha película en algo más que nada cultural. Es decir, las películas de culto están directamente relacionadas con el público seguidor que recaban. 
  3. Mucho tiempo para ser reconocidas: Muchas veces debido a que son películas independientes (como se mencionó antes) cuesta trabajo que salgan a la luz por lo que casi siempre se vuelven populares o recaudan el dinero que no pudieron recaudar en el estreno con mucha posterioridad mediante ventas en DVD. 
  4. Tienen que ser diferentes: Si la idea es innovadora o conjunta varios elementos que podrían parecer "extraños" es muy probable que llegue a ser una película de culto (un ejemplo claro de esto es The Rocky Horror Show), se pide que sea un tipo de cine que se aleje de lo normal o comercial y que en cambio utilice elementos poco comunes como lo grotesco o técnicas de filmación o efectos especiales distintas. 
  5. Sensación de nostalgia: Esta misma se presenta no solo por la antigüedad de la fecha de estreno de la película o el tiempo en el que esta ubicada sino también por los fanáticos quienes muchas veces crecieron con ellas. 

Assassin's Creed: La película, su relación de la historia y la de los videojuegos

domingo, 13 de diciembre de 2015

Sólo los departamentos de arte están a la altura


Las adaptaciones de las clásicas historias de terror son muy populares, en especial entre los jóvenes. Ejemplos notorios de estás mismas son I, Frankenstein, Seventh Son, The Dracula: Untold o Victor Frankeinstein; todas ellas tienen algo en común: son adaptaciones de historias clásicas, tienen matices similares, incluso guiones similares así como héroes similares pero...han sido un gran fracaso; tal vez no en taquilla pero si por lo menos debido a que no son más que mercadotecnia que mediante el uso de actores relativamente reconocidos logran atraer una cantidad considerable de personas a sus salas. 

Lo interesante de estás producciones radica en el hecho de que sus diseños de arte son formidables; el arte conceptual es una maravilla e incluso en las películas lo podemos ver. Los efectos y el maquillaje son muy bien empleados haciendo difícil distinguir de una de estos largometrajes un videojuego de última generación. 

Probablemente esta sea la estrategia principal para atraer a los espectadores a sus salas, pues es bien sabido que a la gente le gustan los efectos especiales y seres míticos. Tal vez esta sea la nueva formula para lograr un éxito sin importar la historia o el guión pero dando mucho trabajo al director de arte y a los maquillistas. 

¿Por qué cambió nuestra visión del futuro?

Anteriormente las películas futuristas estaban exclusivamente enfocadas en un mundo utópico en donde las tecnologías harían del mundo un mejor lugar para vivir y en el cual desgracias como enfermedades virales o fenómenos naturales serían completamente erradicados; pero en menos de 10 años esta visión cambio. Es interesante notar como hubo un cambio repentino entre un mundo feliz hacia un mundo destruido y contaminado. ¿Cuáles podrían ser las razones para explicar este repentino cambio de pensamiento?

A mi parecer mucho tiene que ver con el hecho de que la sociedad está consternada por la globalización, contaminación y calentamiento global; temas muy conflictivos que la gente se ha tomado en serio relacionandolos directamente con un fin del mundo precipitado. Es el cambio de polaridad que ha tomado la mentalidad de la gente quien está tan involucrada con la violencia y la extinción de especies que ha perdido la fe en la ciencia y que en cambio, inconscientemente ha caído en un ciclo vicioso en el que las tecnologías (si bien son sumamente explotadas y aprovechadas) terminan exterminando la raza humana. 

Es la ciencia ficción quien introdujo ambas polaridades pero que últimamente se ha empeñado más en mostrar un panorama oscuro para nuestro futuro en la tierra. Otra posible explicación puede encontrarse tal vez en el hecho de que al humano le gusta sentir adrenalina o peligro (es por eso que las películas de terror son tan populares) por lo que el solo hecho de pensar en un porvenir oscuro y tétrico en el cual todo sale más para nosotros resulta excitante. 

¿Qué se puede esperar de The Force Awakens?

¿Es Netflix el fin de la televisión por cable?


Al principio las cadenas televisivas tomaban a Netflix como algo pasajero al cual la gente se hartaría con un poco de tiempo; pero esto no ocurrió y ahora incluso las cadenas de televisión (e incluso los canales) se encuentran sometidos a un gran dilema. 

Netflix se ha colocado como una empresa entre gigantes; rápidamente se ganó la atención y confianza de quienes rentamos el servicio el cual es más barato, más conveniente e incluso con más facilidades de pago que en la actualidad son tan necesarias debido a la falta de tiempo. Es tanto así que muchos otros servicios han intentado lanzar sus propias plataformas (dignase Telmex o Cinepolis) con poco éxito. Nadie ofrece un mejor servicio que Netflix; legal, a cualquier hora e incluso con sus producciones originales que a pesar de ser financiada por la empresa misma son de gran calidad (tanto en directores como actores). 

Ultimamente se ha visto que los servicios de televisión por cable han sacado miles de promociones con tal de que la gente rente sus paquetes más completos; pero verdaderamente sino fuese porque integran el servicio telefónico e internet no muchas personas seguiríamos usándolos. Es tanto el terror que se le ha adjudicado a Netflix que incluso los canales han disminuido sus comerciales. 

La televisión es un medio audiovisual caro tanto para visualizar como para producir y llevarlo a la pantalla; sin embargo en la actualidad el internet ha recabado una mayor popularidad siendo más rápido y barato que la televisión misma. A mi parecer dentro de unos 50 a 60 años la televisión por cable será algo simplemente simbólico; entre más mejore Netflix su servicio significará menos suscriptores a estas empresas multinacionales.

Remakes: ¿son realmente necesarios?

Últimamente han salido varias propuestas para realizar remakes de películas que, por lo menos a mi generación la marcaron y fueron (y siguen siendo) muy buenas. Ejemplos de lo que digo son: The Crow, The Mummy, Memento, Poltergeist, It...pero, ¿es necesario un remake? 

Es cierto que todas las ideas que vemos (al igual que el mundo de la moda) son refritos y más refritos pero a mi gusto resulta demasiado que hagan remakes de películas que tienen menos de 20 años de antigüedad. Primero algunos puntos a favor: 
  • Mejores efectos especiales
  • Mejores vestuaristas y maquillistas
  • Mejores ambientadores
Sin embargo el problema radica en que los nuevos directores tienen un afán por sacar películas y más películas sobre la misma temática que simplemente se abstienen a ser "palomeras" y no ven más allá de dicho horizonte. La mercadotecnia ha inundado a la industria del cine y se han perdido las ganas de hacer buen cine. El punto de este post no es criticar y quitarle créditos a los remakes (hay algunos que son muy buenos; veamos Star Trek) sino dar a entender la pérdida de seriedad de los directores y guionistas al llevar una película a la pantalla grande. Historias buenas, buenos personajes, buenos efectos pero una mala adaptación lo es todo para determinar una obra de arte, una película mirable o solo una "palomera". 

Hay que tomarlo en serio; si se está haciendo un remake es debido a que se es fanático de la original; es porque tal vez en el pasado no se tuvieron los recursos para lograr algo mejor (que en la actualidad si puede ser obtenido) y se quiere mejorar o desempolvar. Hace falta ver los próximos remakes que vienen para ver quién acierta o quién falla en otra re-adaptación. 

Videojuegos potenciales para ser adaptados a películas


Como en el post anterior en el que se hablo sobre las faltas cometidas por los directores quienes han adaptado videojuegos a la pantalla grande; en este post se pretende en cambio analizar algunos títulos que debido a sus personajes o historias impresionantes al ser llevados al cine (preferentemente por alguien que se comprometa con el proyecto como debe ser) pueden significar un gran éxito.

  1. Red Dead Redemption: Un clásico favorito por muchos y enfocado en la historia del mítico vaquero John Marston. Un spaghetti western con una buena historia sobre acción en el viejo oeste y un personaje carismático del que todos nos llegamos a sentir familiarizados. 
  2. Bioshock Infinite: Un videojuego de fantasía en el cual el punto radica en salvar a Elizabeth, la dama en peligro que se encuentra atrapada en una ciudad flotante. El estilo de Bioshock es innegablemente bonito debido al uso del arte steampunk; es cierto que ya han habido películas de dicho estilo pero es la acción y la idea de una ciudad en el cielo lo que verdaderamente llama la atención. 
  3. Uncharted: Naughty Dog es una empresa que siempre explota grandes historias (el mejor ejemplo lo vemos en The Last Of Us), Uncharted no es sino el Indiana Jones de nuestra generación; como tal (y por el hecho de que esta ubicado en la actualidad) Nathan Drake es el personaje animado, aventurero y carismático que nunca pierde la oportunidad de ir hasta el fin del mundo en busca de un tesoro. 
  4. Halo: La serie de Halo es una de las más queridas y aclamadas en la historia de los videojuegos e incluso Peter Jackson ya había negociado para poder quedarse con la dirección de la adaptación al cine de las películas (sin embargo, el proyecto nunca se llevó a cabo); Halo sería exitosa por el propio y solo hecho de que se trata de Halo, los eventos futuristas que plantea esta serie además son únicos y han marcado una generación en los videojuegos de ciencia ficción. 
  5. Deus Ex: Nos encontramos con otro videojuego de ciencia ficción; es cierto que es un poco menos conocido pero esto no desamerita el hecho de que su historia es una de las mejores. Presenta más que nada la posibilidad de un futuro distópico en el que las capacidades y habilidades de las personas pueden ser aumentadas para ser utilizados como armas. 

Reseña: Atrapado sin salida

Ficha
Título original: One Flew Ove the Cuckoo’s Nest
Año: 1975
Duración: 133 minutos
País: Estados Unidos
Director: Milos Forman
Guión: Bo Goldman, Lawrence Hauben (basado en la novela homónima de Ken Kesey)
Reparto: Jack Nicholson, Louise Fletcher, Brad Dourif, William Redfield, Mews Small, Sydney Lassick, Will Sampson, Christopher Lloyd, Danny DeVito, Dean R. Brooks, William Duell, Scatman Crothers
Género: Drama / Comedia

“Atrapado sin salida” es una historia de calidad atemporal que reproduce fielmente la imagen de una sociedad oprimida por el control y lo que por el ojo público se considera “normal” o “anormal” en el prójimo. La película inicia con un cuadro en el que se muestra un paisaje del atardecer; este mismo puede ser entendido de manera filosofía como la imagen de la libertad de la que se nos muestra que los enfermos internados en el Hospital Psiquiátrico están privados.

La trama principal esta armada por el personaje de Nicholson, R. P. McMurphy un reo que después de haber cometido una serie de crímenes es cuestionado sobre si debería o no estar en prisión o si lo más adecuado seria estar recluso en un manicomio. McMurphy considera que esta bien podría ser una oportunidad para aprovechar ya que de alguna u otra forma el contraste entre el hospital y la prisión le parece favorecedor en el hospital. Hay una escena con cierta carga simbólica en la que el doctor a cargo del hospital lo cuestiona sobre por qué considera que lo han enviado al hospital, R.P. responde que verdaderamente desconoce las razones; en un documento sin embargo se encuentran estás mismas en las que se incluye que aparte de tener un comportamiento radical, cuantiosas peleas y el suceso de haberse relacionado con una menor de edad está el hecho de que se le reconoce como “vago” o “holgazán”, si analizamos esto podemos comprender que según las funciones que exige la sociedad misma esta la de ser proactivo, por lo que este rasgo en el comportamiento de McMurphy es tomado también como “anormal” o en contra del orden. En este contexto ante una de las reglas claras del instituto que es respetar la rutina, McMurphy es el antihéroe al ser quien trae la espontaneidad; nadie sabe cómo actuará y para los enfermos es algo novedoso e interesante por lo que rápidamente lo siguen sin pensar.

McMurphy toma la decisión de tratar a los internados del hospital como iguales, no como enfermos a diferencia del trato que le dan los encargados y enfermeras quienes los ven como un mero objeto a quienes tienen que mantener a raya. Un dato importante que pude notar es el hecho de que quienes cuidan a los enfermos son tanto mujeres como personas de raza negra; considero que tal vez esto puede ser relacionado al contexto histórico en el que las mujeres y las personas de tez negra solo tenían derecho a realizar trabajos relacionados como “sin importancia” o de trato difícil; si analizamos esto podemos decir que si a las mujeres y a los afroamericanos se les consideraba de “bajo estatus”, los enfermos internados son de un estatus aún más bajo si es posible.

Signos con los cuales podemos identificar como el control está bien delimitado son: las horas de medicación, horas de terapia, limpieza así como la resistencia por la enfermera a cargo del pabellón quien está determinada a mantener los horarios a como están predestinados y que considera que una alteración a estos destruiría el proceso que supuestamente ha obtenido en los pacientes; esta escena también es de importancia, McMurphy propone que trasmitan el partido beisbol a la hora de los baños mientras tienen una sesión de terapia, la enfermera se opone y cuestiona a los enfermos sobre si consideran que sea una buena idea romper la rutina diciendo que muchos de los internos tienen problemas para respetar un horario y que por lo tanto una interrupción al mismo seria perjudicial para ellos; la mayoría de los enfermos se ponen de lado de ella pero no porque en serio lo piensen de esa forma sino porque le temen. McMurphy se da cuenta de ello por lo que decide que él va a lograr doblegar a esta mujer quien es fría y calculadora y que en vez de alentar a los pacientes a salir de sus problemas los reprime. Creo que lo que hacía Ratchet con sus terapias en grupo era una forma de mantenerlos controlados también debido a que nadie quería comentar sus ideas o pensamientos sabiendo que estos mismos serían controlados o rechazados por la enfermera y por lo tanto también por sus compañeros. El personaje de Harding (quien podríamos decir es de todos el menos “enfermo” junto con McMurphy) por ejemplo, no se muestra reacio por participar pero se expresa con palabras muy rebuscadas haciendo que sus compañeros se burlen de él, creo que Harding verdaderamente hace esto aparte de para sentirse superior a los otros pacientes también para confundir, ya que aunque habla verdaderamente no expresa nada; no se siente seguro de que hablar ayuda.

En cuanto a un reprimido bajo el mando de Ratchet por excelencia se presenta Billy, un muchacho quien está ahí debido a intentos de suicidio por el mantenido yugo de su madre quien lo tiene como un niño y que no lo deja tomar decisiones; Ratchet sigue con los tratos de su madre por lo que Billy se siente amenazado y siempre tiene que seguir sus ordenes.

McMurphy hace de las suyas para poder sacar a todos por un día de paseo para ir a pescar, algo que ninguno había hecho antes debido a que los tienen siempre encerrados en el hospital. Por primera vez se les ve a todos felices y se comportan como personas normales. Esta pequeña aventura que viven parece despertar en ellos algo en especial; parece que empiezan a darse cuenta de que son personas capaces y libres que pueden decidir y que no por ser llamados enfermos tienen que comportarse como tal.

En las próximas sesiones de terapia vemos como se van revelando ante la enfermedad haciendo preguntas como “¿por qué hay que forzarlos a hablar?” cuando Ratchet cuestiona a Billy y este verdaderamente no quiere contestar o como “¿es de enfermo estar solo?”. Pues bien, no hay razón para forzar a alguien a hablar pero ese seria un desplante de desobediencia y dejar solo a un enfermo significaría dejarlos sin supervisión, algo que es una forma de libertad, “no existe privacidad”. Para la segunda vez en que McMurphy propone ver el partido de beisbol vuelve a serle negado pero de manera injusta debido a que esta vez los votos son positivos y la enfermera se vuelve a negar diciendo que el tiempo de la terapia había terminado segundos antes y que por lo tanto la votación no era valida; McMurphy comienza a relatar un partido de beisbol y los pacientes se emocionan imaginándoselo en sus mentes, la enfermera se enoja y pide silencio, ¿por qué lo hace? Por que la imaginación se les está reprimiendo.

En este momento McMurphy es llevado a una sala para ser castigado debido a su insinuación al desorden junto con otros 2 pacientes; entre estos esta “El Jefe”, un nativo americano quien dicen es sordomudo, McMurphy le ofrece goma de mascar y es en este momento que El Jefe le responde con cortesía haciéndole notar que habla y escucha pero que simplemente se ha mantenido por décadas en silencio. Creo que esto que hizo El Jefe lo hacía para mantener su autonomía, sin tener que escuchar el lavado de cerebros constante realizado por Ratchet y sin ser sometido verdaderamente a su control. McMurphy planea escapar junto con el a Canadá donde por fin empezarían una nueva y buena vida.

Es en Navidad cuando finaliza está película. McMurphy decide que ya es hora de irse pero antes quiere darles otra oportunidad de divertirse a sus ahora amigos a quienes él considera personas racionales y normales. Sabiendo que el cuidador de esa noche accedería a dejar pasar a sus amigas y a las botellas de alcohol, McMurphy empieza a realizar un desorden, dejando que los pacientes beban, bailen y se diviertan. Justo en el momento en el que después de varias horas de fiesta McMurphy decide que ya es hora de partir y que Candy (su amiga con derecho) se había despedido, Billy le comenta que se siente bastante atraído por ella; McMurphy sabe que Billy siempre ha sido sometido por su madre y Ratchet a no tener contacto con otras mujeres y le deja tener una noche con Candy por la cual Billy se siente feliz y gozoso. Al día siguiente Ratchet llega al hospital y observa el desastre que han hecho; encuentra el desorden y entre este mismo su cofia la cual esta manchada y pisoteada, esta es la perfecta representación de “anarquía” según los ojos de le enfermera; además también encuentra a Billy y le expresa su descontento amenazándole además con decirle a su madre lo que ha hecho (que verdaderamente no fue nada malo), Billy se deprime y termina suicidándose. Sin embargo la enfermera no sale de su autoridad indicando que deben de bañar a los pacientes para poder empezar nuevamente con la rutina (algo que a mi se me hace incluso más loco que cualquier otra situación que haya realizado cualquier paciente). McMurphy nunca estuvo loco y creo que los doctores lo sabían, por último es sometido a una terapia severa de electroshock, podemos ver que debido a esto lo dejan en un estado casi vegetal; El Jefe se siente mal por esto, decide que lo mejor es dejarlo ir mediante una muerte silenciosa y lo asfixia con una almohada; esto puede parecer cruel pero para mi fue casi necesario, ¿cómo poder dejarlo vivir cuando le han robado su completa autonomía?, eso no puede ser libertad ni vida digna.

Al final se observa la última escena en la cual El Jefe rompe un ventanal y huye del hospital al amanecer por fin, uno de ellos pudo sale siendo libre y racional.

Como conclusión puedo decir que One Flew Over the Cuckoo’s Nest es una obra maestra, definitivamente todos tenemos algo de “locos” según los propios reglamentos que va imponiendo la sociedad y que con el tiempo mismo van cambiando. Nadie está enfermo en realidad, simplemente su conducta difiere entre lo que se ve correcto o no. También podemos constatar el extremismo al que se puede llegar por no saber escuchar, por tratar como inferior a alguien, por someterlo e impedirle ser quien es. Cada uno vive en su propio hospital psiquiátrico de una o otra forma y el verdadero punto de la vida es lograr una estabilidad que permita obtener la felicidad a la vez que la aceptación de la sociedad. Otro punto de la película es; ¿por qué tratar al paciente como enfermo?, ¿qué tal suena empezar a tratarlo como persona? Considero que eso lo ayudaría mil veces más, un trato personal y adecuado y no un sobrecontrol excluyente e inhumano.

sábado, 12 de diciembre de 2015

Reseña: El corazón del mar


Título original: In the heart of the sea 
Año: 2015
Duración: 121 minutos
País: Estados Unidos
Director: Ron Howard
Fotografía: Anthony Dod Mantle
Reparto: Chris Hemsworth, Benjamin Walker, Cillian Murphy, Tom Holland, Ben Whishaw, Brendan Gleeson, Michelle Fairley, Charlotte Riley, Joseph Mawle
Sinopsis: En el invierno de 1820, Owen Chase (Hemsworth) y otros marineros de la tripulación del Essex sobrevivieron en alta mar en durísimas condiciones después de que el barco chocara con una enorme ballena blanca. Owen, obsesionado con la idea de dar caza al cetáceo, se enfrentó a las tormentas, al hambre y a la desesperación. Inspirada en la historia real en la que se basó Herman Melville para escribir el famoso relato 'Moby Dick'.

A pesar de que In the Heart of the sea cometió ciertos errores en cuanto a guión y línea del tiempo; es una buena adaptación de Moby Dick llevada al cine. Hay que mencionar antes que nada que la actuación de Chris Hemsworth fue muy buena (y que no tuvo que haber una sola escena en la que saliera sin playera, otro acierto del director), su personaje era aventurero pero con un gran significado de lealtad y responsabilidad. El trabajo de fotografía de Anthony Dod es otro acierto (muy grande, por cierto); las escenas en las cuales estaban a bordo del Essex en el Pacífico eran impresionantes y según la expresión inglesa "breathtaking" ; la música estaba acorde al escenario; el vestuario estaba acorde al tiempo y habían unas cuantas frases que estaban tan bien empleadas que dejaban al espectador algo para reflexionar. 

Y es que "In the heart of the sea" no es una simple película de aventuras sino una gran reflexión hacia el ser humano; a pesar de que una ballena no puede hablar ni expresarse con solo una aparición o el hundimiento de un barco puede decir más de 1000 palabras. ¿Qué estamos haciendo con el propio planeta?, ¿es cierto que cada uno de nosotros somos Dios?. Una excelente película para disfrutar un fin de semana y que definitivamente tiene mucho que decir. 

Puntuación: 8.5

Los trastornos de la personalidad y su influencia en el cine

De todas las enfermedades mentales que estudia la psicología es importante decir que las más explotadas por el cine son los trastornos de personalidad; ¿y cómo no hacerlo?. Todos somos propensos a desarrollar un trastorno de la personalidad con tan solo un detonante que lo cause. Por tanto a continuación menciono solamente algunas películas que exploran uno o más tipos de trastornos de la personalidad: 

  1. La naranja mecánica: Una película valorada por cualquier cinefilo y con mucha razón; un clásico del maestro Stanley Kubrick basado en la obra homónima. No es difícil decir que el tan recordado personaje de Alex Delarge tiene trastorno antisocial de la personalidad. Además podemos ver (tanto en el libro como en la película) la aplicación directa de la teoría conductista tan conocida por la psicología y que plantea que la conducta puede ser alterada mediante mecanismos negativos que escarmienten al criminal. 
  2. Take Shelter: Take shelter es el mejor ejemplo para introducir el trastorno paranoide de la personalidad, en ella podemos ver en el personaje interpretado por Michael Shanon, un padre de familia normal que empieza a ceder al miedo de un posible apocalipsis sin estar sujeto a ninguna explicación racional. 
  3. Mejor...imposible: En esta película Jack Nicholson encarna a un obsesivo-compulsivo el cual vive sus días a partir de rutinas preestablecidas que de ser rotas significan toda una desgracia. Sin embargo, en ocasiones romper la rutina resulta lo más adecuado. 
  4. El Gran Pez: Trastorno esquizotípico de la personalidad. Edward Bloom era visto por su hijo como un hombre que se dedicó toda su vida a decir mentiras debido a sus histórias fantastícas; pero ¡oh sorpresa!, no todo era mentira en su vida; simplemente tenía una ligera distorsión de la realidad que provocaba que sus historias fueran aún mejores.

Cate Blanchett y sus transformaciones para "Manifesto"



Debido a la participación en el proyecto del alemán Julian Rosefelt al cual tituló "Manifesto", la actriz australiana ganadora de dos premios Oscar y quien es siempre asociada con la elegancia aparece en un pequeño video adelanto de apenas 10 segundos mostrando una serie de impresionantes transformaciones entre las cuales se encuentran la encarnación en una maestra de ballet, cientifica, obrero de fábrica (ya que no se limita a representar solo personajes femeninos), reportera, viuda entre otros personajes de los cuales no se sabe mucho más.  Aún con solo 10 segundos de adelanto mostrados en este teaser la idea de Rosefelt llama la atención y definitivamente enciende una chispa por descubrir de qué trata su proyecto, ¿será un análisis social? o tal vez ¿un mensaje para crear conciencia?; habrá que esperar a verlo.